El tema de este post es bastante sencillo pero no por eso poco relevante. Les paso un interesante apunte que desde hace días estaba buscando, es un pequeño diagrama que muestra qué recursos visuales aplicar al momento de diseñar, desde cosas muy concretas hasta aspectos abstractos, échenle un ojo, seguro les ayuda a sustentar algún concepto o producto de diseño.

Diagrama de Liesbeth

Este diagrama fue creado por un ingeniero holandés: Liesbeth Zikkenheimer, el cual diseñó un manual relativo a la producción de materiales meramente visuales para el aprendizaje de mujeres imigrantes. Por eso en la tabla tenemos dos ejes importantes de información: grado de abstracción y tiempo de aprendizaje de cada uno de los recursos visuales.

Este diagrama lo encuentran en el libro de Paul Mijksenaar, “Una introducción al diseño de información” todo un clásico para los traumados en estos temas. Se los recomiendo mucho; lamentablemente la editorial Gustavo Gili ha dejado de imprimirlo a pesar de que este libro no llevaba mucho tiempo, salió en 2001. En su momento lo compré estando en la universidad e incluso en un congreso de la UDLAP pude conocer a Mijksenaar, todo un personaje el señor.

Más adelante iré publicando algún otro apunte. Si alguien conoce alguna versión digital para referenciar sería excelente, ya que es una lectura obligada para todo aquel que tenga inquietud o la necesidad (o ambas) de hacer la información entendible para la gente.

¡Saludos!

En esta ocasión les presento una entrevista muy interesante que realicé a una de las filósofas más peculiares que he conocido: Laurence Le Bouhellec Guyomar. Ella me da una clase llamada Arte y sus Discursos en la que expresa una opinión algo diferente a lo que estamos acostumbrados a escuchar. En esta entrevista veremos su punto de vista respecto a temas como la discusión del “diseñador como artista”, la relación arte-diseño, la firma del diseñador, la formación del diseñador en el arte, entre muchas cosas más.

Laurence es originaria de Francia, filósofa de formación (licenciatura y maestría), empezó el doctorado pero cambió su rumbo hacia las artes plásticas lo cual la condujo a México debido a su interés en el muralismo mexicano. Aquí estudió arqueología y vivió un tiempo en el DF, en donde se mantuvo muy ligada a la gente del INAH por cuestiones de investigación. Posteriormente empezó a trabajar en la UDLA como profesora de francés y coordinadora de esta área en el departamento de lenguas ya que tiene otra licenciatura en letras modernas. Finalmente, fue invitada a retomar la licenciatura en historia del arte para revivir el programa de estudios y lleva casi diez años coordinándola. Actualmente también es coordinadora de la cátedra Michel Maffesoli.

• Les dejo el audio de esta entrevista por si no quieren leer

Transcripción de la entrevista con Laurence Le Bouhellec

¿Qué vínculo crees que existe entre el arte y el diseño?

Si lo vemos desde ahora, a veces para algunos es un poco difícil, salvo vagamente al nivel de arte. Si lo vemos desde atrás, finalmente, arte y diseño se confundieron durante… pues yo diría durante siempre hasta que por el siglo XVIII- XVI se empiezan a hacer divisiones de los diferentes tipos de objetos que podemos diferenciar como arte y a partir de ahí empiezan a diferenciar terminales de formación, algunos que se van por un camino se llaman artistas y algunos que se van por otro se les llaman diseñadores, pero yo creo que la mayor parte de la gente olvida que eso es algo relativamente reciente en la historia de la fabricación de los productos. Habría que agregar que hace un poco más de medio siglo el ámbito de lo sensible o de lo visual ha estado creciendo más en las sociedades contemporáneas ligada a la economía capitalista que requiere de publicidad y bal bla bla… entonces aparentemente las dos profesiones son diferentes pero tienen la misma fundamentación, la misma raíz, y muchas veces los recursos que se están utilizando son bastante similares nada más que los usos que se van a hacer de los recursos sí van a ser radicalmente diferentes porque van a estar enfocados a objetivos sumamente diferentes.

¿Crees que sea importante que el diseñador o estudiante de diseño tenga conocimiento de lo que sucede en la discusión del arte?

Lo que yo pienso, y aquí lo he probado con Gigo, el jefe del departamento de artes plásticas. Gigo y yo trabajamos juntos desde poco más de una década y hemos acordado quizá porque yo no soy historiadora del arte, yo estudié artes plásticas y arqueología, yo lo que nunca estudié es historia del arte pero lo que yo vi aquí es que lo que a mí me dejaron como programa de historia del arte es algo muy rancio, muy arcaico, algo totalmente fuera de contexto, por dos razones: una, porque carecía totalmente de reflexión teórica y yo pienso que ninguna carrera, ninguna práctica, ninguna especialidad es realmente pertinente para el estudiante si no le damos el porqué de su especialidad, no nada más el cómo sino el porqué. Bueno eso es una cosa, el marco teórico. Por el otro lado, tomando la situación actual de un historiador de arte, en el XXI es básicamente alguien que va a trabajar, si le va bien, como administrador de museo pero tendrá que hacer probablemente una maestría en administración cultural, estudio de museos, o algo por el estilo y de todas maneras es alguien que tiene mas del 80% de trabajar en ámbitos multi-interdisciplinarios, osea va a estar con otra gente y requerirá saber también del porqué de la producción de las obras.

Entonces, retomando estos dos puntos, y trabajando con Gigo acordamos hacer interactuar las dos carreras, que fue un rato el proyecto que también hubo con diseño, es decir, que diseño podía también interactuar con nosotros porque nosotros les podíamos dar también cierto marco teórico que es los que estamos dando a artes plásticas y al mismo tiempo los de historia del arte iban a hacer un semestre o dos semestres en talleres, por lo menos para tener una idea del proceso de creación y elaboración de esa cosa que llamamos arte. Yo pienso que no sólo debido a las particularidades de la situación artística en el sentido más amplio del término actual sino también pienso que no puede uno explicarle a un estudiante (bueno, es una tesis muy personal que yo comparto con mucha gente pero muy personal) que no le puedo yo explicar a un estudiante qué cosa es arte, si no le explico que nos inventamos el término, que antes no había fragmentación de discursos, que el arte no es belleza (lo que nos permite evitar muchísimas malas discusiones), en fin… que es otra cosa y que también yo creo que por cada disciplina o área de estudio tiene uno que aprender a diferenciar lo que es el discurso oficial que para nosotros sigue siendo por mucho arte, belleza o arte estética, (osea visión y media) de lo que es la realidad de las cosas, ¿por qué? porque otra cosa que vicia mucho de las prácticas, osea estas prácticas ligadas al arte (en el sentido amplio del término) es que la fundamentación inicial es totalmente occidental, entonces nos estamos moviendo dentro de un marco inicialmente occidental.

Ahora, a lo mejor en su momento, siglo XVIII-XIX, quizás parte del XX funcionó, pero aquí en México a mí me parece bastante rancio y arcaico seguir imponiendo a los estudiantes la lectura por estilos o por etapas que ni siquiera aplica aquí en América, entonces, yo creo que si no trabajamos estos esquemas, osea el esquema occidental es uno entre muchos más pero si no damos a los estudiantes, digamos a mi punto de vista, estas herramientas o creamos confusión en el porqué de la carrera igual podemos bloquear también yo diría como vocaciones de uno que está por ahí y no sabe muy bien qué cosa puede hacer, bueno, se le puede abrir mucho el campo, que finalmente en lugar de trabajar sobre algo muy estrecho trabajamos sobre algo muy amplio, es como el artista que puede navegar de la pintura al videoarte o al performance, a otra cosa, no lo podemos limitar a los géneros tradicionales de las bellas artes. Es exactamente lo mismo para mi.

¿Qué piensas sobre el significado implícito que se le ha dado al diseñador popular como constructor de la estética entendida como belleza?

Digamos que eso también tiene que ver con cierta rebelión de ciertos diseñadores, final del XIX principios del XX que retoman la idea de que para estas fechas lo que se entiende por arte como un subproducto del campo general de lo que es el arte, estoy pensando mucho en lo que es artes y oficios de la Bauhaus, osea todos estos proyectos que hubo y que intentaron volver a dar a entender primero que si efectivamente el arte es belleza, la belleza puede estar fuera del arte en otros productos ¿no?, y dos, que la escisión entre arte-belleza y lo demás es totalmente artificial y que podemos producir objetos que pueden no pertenecer a los géneros de las bellas artes (no ser pintura, no ser grabado, etc) y sin embargo que pueden ser géneros que nos pueden igualmente llenar de estética, en el sentido ya más cuadrado de la palabra.

Esta discusión se da solamente porque efectivamente hay este problema entre construcción del discurso entre el XIX y el XX restricción total del uso oficial del término arte a la estética entendida como belleza cuando estética, en el sentido original, es solamente lo que me relaciona de forma sensible con el mundo. Y finalmente cuando se trabaja (vuelvo a pensar otra vez Bauhaus, etcétera, todos estos proyectos) de ahí retoma la idea de que probablemente dominantemente por el campo de lo visible nos podemos relacionar sensiblemente con el mundo y esta relación sensible con el mundo nos puede, como decía Kant en su momento en el XVIII, llenar de placer por lo tanto el diseñador puede ser efectivamente alguien que ayude a que los objetos que nos rodean sean más agradables, pero obviamente que el diseñador hace muchas cosas más, el diseñador es igual un creador de objetos utilitarios, no solamente de objetos en general, no solamente el que retoca digamos una fachada estética sino el que puede crear.

Entonces, ¿qué opinión tendrías en esta discusión que hay de “el diseñador como artista”?

Es que si retomamos la discusión desde la etimología, los dos se confundían. Yo ayer por un trabajo que yo estaba haciendo estuve revisando los diccionarios franceses del siglo XVII-XVIII, en principios del XVIII arte cubre la producción de cualquier tipo de objeto, todavía no existe la idea de “bellas” artes, yo creo que es algo que tenemos que recordar, que son un poquitín más de dos siglos que primero fragmentan lo utilitario aparentemente de lo no utilitario y que limitan la idea de lo no utilitario a la estética, pero si regresamos a la raíz el diseñador es igualmente artista, en el sentido alguien que utiliza un saber hacer, que puede diseñar o crear objetos que nos pueden favorecer esta relación sensible de forma agradable con el mundo.

En el fondo yo no pienso que haya un diseñador que voluntariamente piensa hacer algo desagradable, digamos ni en el uso ni en la relación visual que podamos tener con el objeto, el problema es a veces el costo del objeto, que limita materiales, formas, etc. y que hace que a veces el objeto más agradable a veces sea el más costoso, yo diría desagradable.

¿Qué opinas sobre el diseño y la muerte del autor? ¿un diseñador debe firmar sus diseños?

Bueno, es que el problema de la firma otra vez nos remite a un ámbito radicalmente occidental. Yo cuando voy a talleres en Oaxaca o en otras partes donde estoy viendo los artesanos firmar, finalmente han llegado a firmar estos objetos porque casi es una necesidad para colocarse en el mercado y es lo que permite al objeto tener un precio más alto, pero eso es una lógica de la mercantilización capitalista de los productos artísticos, ¿por qué? porque la construcción del discurso oficial del arte ha valorado por muchas razones la firma, mientras que tenemos, si viajamos por África, si viajamos por América, si viajamos por Asia u Oceanía, durante siglos si no es que milenios el arte se produjo de forma anónima, igualmente el arte europeo. Es solamente a partir de una fecha específica que el arte se empieza a firmar, lo que pasa es que una vez que el arte se firma, la firma se vuelve parte del precio de la obra, no es la obra como tal sino a veces hasta la firma que le da precio a la obra y no la obra en sí, osea casi hemos invertido el proceso. Por lo tanto, yo no veo nada raro que el diseñador igualmente firme, porque es una manera de entrar de forma competitiva al mercado y poder discriminar objetos. Eso sería una respuesta casi normal y lógica a la mercantilización capitalista de los objetos que a menudo favorece el nombre.

Voy a tomar un ejemplo muy tonto quizá: las artistas de cine o cantantes que dicen tener un perfume. Sabemos muy bien que ellas no lo elaboran, no tienen de ninguna manera las capacidades para hacerlo, van a prestar su nombre. Si realmente pone su nombre la persona que diseñó el perfume no lo va a vender. Estamos en esta relación absurda actualmente, que es la misma que vemos para ropa o para muchas cosas más, es decir, es el nombre el que atrae, una marca y no realmente un producto.

¿Qué opinas del arte digital? ¿cómo ven esta nueva corriente los intelectuales y practicantes del arte?

Otra vez es lo mismo, para los que consideran que solamente es arte lo apegado a géneros tradicionales, a los que encajan en las bellas artes, muchos historiadores han estado peleados con la inserción de nuevos géneros o nuevos tipos de objetos al discurso. Si uno abre uno de estos libros que se llaman “historia del arte universal”, lo que vamos a ver dominantemente es pintura y escultura, si es que es un libro que empieza por Egipto y por ahí, habrá arquitectura, pero el 95% si no es que más del libro se limitará a pintura y escultura, que son todavía para mucha gente los géneros tradicionales del arte. Yo veo que aquí se dice “bellas artes y literatura”, se le cambió el nombre porque aún cuando en arte incluye música, literatura, etc., el uso tradicional se restringe a los subgéneros o las categorías de bellas artes.

Entonces, arte digital es solamente un saber hacer que recurre a un nuevo campo tecnológico. Es como si el músico se hubiera tenido que conformar con los instrumentos tradicionales y no podría tocar o se vería mal tocar instrumentos que se están fabricando actualmente. Yo pienso que eso es absurdo pero eso tiene siempre que ver con que o tenemos categorías flexibles para pensar o nos aferramos a algo que nos va a remitir a un pasado y vemos este pasado a través de los ojos de la tradición pero olvidamos que la tradición en su momento era quizá vanguardia y probablemente más, revolución. Solamente la sedentarización y la codificación de eso que lo hace tradición, pero no vivimos de tradición. Es como cuando de repente, según lo que me han platicado algunos, se impide que puedan concursar obras en los concursos de artesanías, obras que recurren a pigmentos no naturales, pero debido a los costos y a las dificultades de producción yo pienso que es un desafío más obligar a la persona a limitarse a pigmentos naturales, a tradicionales.

Es que ahí está la discusión y arte digital es un ejemplo entre las múltiples otras formas que han surgido ligadas a los campos tecnológicos para poder desarrollar un saber hacer. Es como si estuviéramos obligando a todos los escultores a pulir solamente con agua y arena, bueno, hay quienes lo van a querer hacer aún cuando existen otras técnicas y hay otros que piensan que pueden recurrir a las nuevas técnicas, osea ¿por qué tenemos forzosamente tener que valorar lo antiguo o lo pasado?¿por qué no le podemos dar a lo actual o a lo contemporáneo la misma validación de artístico o de arte que le podemos dar a productos antiguos? no entiendo.

¿Alguna bibliografía que recomiendes a los lectores diseñadores y no diseñadores que quieran saber más respecto a estos temas?

Es que yo pienso, como siempre le digo a los estudiantes, en lugar de comprar libros bonitos, estos libros costosos y de muchas ilustraciones, es siempre mejor, yo pienso, si uno quiere tener una retroalimentación sobre su propio quehacer, recurrir a libros teóricos y ahí la bibliografía puede ser muy extensa porque depende de las entradas teóricas que uno quiere hacer.

Yo pienso que se requiere por lo menos tener idea de la fragmentación de las especialidades, de los oficios, de los quehaceres, de las disciplinas… podemos llamarlo como queramos, es algo sumamente reciente y no son los libros de historia del arte tradicional que nos explican porque ellos ya retoman los géneros y los clasifican. Por eso digo que si uno quiere saber tiene que recurrir a textos que nosotros llamamos teóricos. Un texto que leen conmigo en clase que me sigue pareciendo básico para todo es el de Larry Shiner, “La invención del arte”, que me parece que para alguien que se interesa en general en la problemática del quehacer artístico, que sea danza, teatro, bordado, cerámica, artes tradicionales o que se yo, explica muy bien cómo estamos pasando de una etapa a la otra y cómo nos inventamos progresivamente subcategorías.

Yo pienso que mucho de la discusión, por ejemplo, que si hay arte en el diseño, que si el diseñador es artista, bla, bla, bla… tienen que ver solamente con el hecho de que nos olvidamos que eso son clasificaciones recientes, y muy recientes. Es por una imposición igualmente reciente que hemos aprendido discriminar lo utilitario de lo no utilitario, porque en parte es algo que rastrea el diseñador porque se le acusa mucho de estar insertado en los mercados de la publicidad y de cosas así, por lo tanto de promover la compra, y por lo tanto el cartel por medio del que promueve no puede ser arte ¿por qué no? En su momento nadie se lo peleó a Lautrec, ¿por qué? porque Lautrec estaba todavía en un momento en el cual eso no existía, o no se aplicaba con la rigidez actual. Y vemos de por si muchos artistas actuales recurrir igualmente a la pintura, al grabado, a la cerámica, etc., es decir, claro que puede haber gente que sigue aferrada a un solo género pero lo que estamos viendo es que cada vez más la gente está revolviendo los elementos… ¿por necesidad? ¿porque nos pesan las disciplinas? Cuando hablamos de interdisciplinariedad que mucha gente lo ve como algo novedoso a mí me da un poco de risa, es solamente regresar a un antes de estas clasificaciones.

Finalmente, lo que estamos viendo es que quizá estas clasificaciones nos funcionaron para algunas cosas, no voy a decir que no, pero gran parte del trabajo no lo podemos hacer encerrándonos en nuestro campecito. Yo veo a mis estudiantes de historia del arte: las más exitosas de la carrera (digo las porque es una carrera que es casi exclusivamente femenina) son las que lograron sacarle provecho a la rama teórica ¿por qué? porque a nivel de competitividad es lo que les permite diferenciarse aquí en México y fuera de México, porque sino todo mundo va a repetir el mismo lenguaje de los estilos y bla bla bla… eso hasta un diccionario te lo da, no necesitas clases para eso ¿no? Lo que te va a hacer competitivo actualmente, lo que te va a hacer destacar es un plus. Es como si tu dices el inglés. El inglés mas o menos todo mundo lo habla, no es lo que te permite diferenciarte, será un idioma más o dos idiomas más si comparas formaciones iguales, el inglés no es ningún distintivo, es exactamente lo mismo. Pero realmente para dar una bibliografía es un poco difícil algo muy específico, hay que hurgar.

Audio de la entrevista

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Como casi cada año, ya se aproxima el Congreso Internacional de Diseño de Información Códice 6, el cual se llevará acabo los días 22, 23 y 24 de febrero de 2007 en el Auditorio de la Universidad del las Américas Puebla.

En esta sexta edición “Códice 6: Información constructiva” estará enfocado al diseño de interacción traducido como diseño constructivo hacia el bienestar no tangible pero que sí se puede percibir como mejoras en la experiencia del usuario y de esta forma darle las pautas para que él mismo construya un criterio propio y tome sus decisiones.

¿Quiénes serán los ponentes?

• John Maeda: Diseño de Interacción digital en la educación, EU. Miembro destacado de MIT (Michigan Institute of Technology). Realiza proyectos muy relacionados a la educación a distancia.
• Erin Malone: Usabilidad en interfaces, EU. Jefe de interacción de Yahoo, America On Line, Adobe, entre otros.
• Rosemary Sassoon: Diseño de fuentes tipográficas para la lecto-escritura para niños, UK. (Confirmado)
• Eddie Macías: Infografía e ilustración, México. Colabora con periódicos como el Reforma, el Norte, Palabra y Vanguardia. (Confirmado)
• Rodrígo Ramírez: (Diseño de información urbano, Chile). Diseño del sistema de transporte urbano Transantiago, también elaboró una fuente tipográfica especializada para señalamientos y transporte. (Confirmado)
• Chaz Maviyane: Diseño de cartel, Zimbabwe. Diseño de carteles en torno a temas como el consumismo, salud, nutrición, responsabilidad social, el ambiente y los derechos humanos. (Confirmado)
• Ralf Appelbaum: Diseño global de museos, EU.(Confirmado)
• Richard Buchanan: Diseño de comunicación, diseño industrial, diseño de interacción y diseño de sistemas humanos y culturales. Editor de Design Issues, periódico internacional de historia del diseño, teoría y crítica publicado por la prensa de MIT. Presidente de la Design Research Society. (Confirmado)

Vía: UDLA Diseño

Como habrán notado no hubo actualizaciones en estos días, eso se debe a que entre exámenes profesionales y entregas finales anduvimos bastante ocupados. Les dejo por acá un proyecto que hicimos para Ociotakus y que creo vale la pena destacar aquí ya que se trata de un tipo de diseño bastante partícular y al que no muchos se meten. Diseñar para video y sobre todo para televisión tiene sus pequeños trucos, a continuación les dejo algunas cosillas a considerar:

• El color en una pantalla de tv se ve mucho más saturado que en un monitor de computadora, por lo tanto en este caso por ejemplo se tuvo que bajar la intensidad del naranja para que al verlo en la televisión no te dejara ciego.
• Hay que tener en cuenta los márgenes de seguridad para TV, si colocamos contenido importante muy hacia los bordes, es probable que algunas pantallas de televisión se coman un pedazo.
• También hay que tener cuidado al momento de exportarlo, ya que debemos utilizar algún codec que nos de una salida óptima para televisión, en este caso utilizamos el Quicktime DV/DVCPRO NTSC a una resolución de 640X480
• El framerate no puede ser el mismo que comunmente se utiliza para multimedia (unos 12 o 15 frames por segundo) ya que si lo dejas así al pasarlo a televisión se verá lento o cortado. En este caso usamos 30 frames por segundo.
• Se debe tener cuidado con la implementación de textos ya que la resolución de una televisión es mucho menor (y hablo de la televisión de un mortal cualquiera, no nos metimos con HD ni nada) a la de una computadora, por lo tanto si por ejemplo usamos textos que al momento de estar editando leemos perfectamente, nos podríamos llevar un gran chasco al pasarlo a la tv y no poder leer nada por el tamaño de la tipografía

En fin estos son solo unos pequeños puntos que hay que tener en cuenta, como último consejo podría decir que siempre prueben su proyecto dándole salida a la televisión según vayan avanzando, para no encontrarse con sorpresas desagradables después de un render de una hora.

En este pequeño video que podríamos llamar un “Demo Reel” del vestido del canal, podemos ver una compilación de todo el material que se utilizaría para las transmisiones: Supers informativos, marcas de agua con el logotipo, gráficos informativos, ID del canal, pantallas de programación y cortinillas de entrada y salida. Espero sea de vuestro agrado y ¿ustedes qué opinan? ¿lanzamos el canal?

Pd. Visiten Ociotakus!
Pd2. La versión del video que subí a youtube fue exportada para multimedia, no es la misma que la que se usaría para video.
Pd3. Ustedes disculparán la calidad de compresión con la que quedó el video pero así lo decidió youtube