El pasado viernes 9 de mayo Alquimistas de Diseño se quedó sin estudiantes universitarios, ya que Eyra presentó exitosamente su examen profesional para así ser licenciada en Diseño de Información. Muchas felicidades por este logro, esperamos muy pronto Eyra vuelva a escribir por aquí, ya que nos tiene muchos posts pendientes.

Y por cierto, como dato curioso, Eyra tuvo que presentar todo su examen con cubrebocas. Igualmente los asistentes teníamos que portarlo y sentarnos bastante distantes los unos de los otros a la hora de la presentación, ya saben… por todo esto del virus H1N1.

En fin ¡muchas felicidades nuevamente!

En lo personal, casi siempre he estado en contra de los concursos de diseño, la razón ha sido debido al mal camino que le dan los organizadores al talento y buenas intenciones de jóvenes diseñadores por sobresalir. Sin embargo, no quiero generalizar y he optado por darle una oportunidad a esto de los concursos, siendo Alquimistas del Diseño los organizadores. Tiempo atrás, nuestros visitantes nos han escrito varias veces para que organicemos algún concurso, pero hasta hace poco que charlé con un buen colega, me hizo retomar la idea.

Así que todo lanzó la siguiente pregunta: si Alquimistas del Diseño organizara un concurso de diseño (valga la redundancia) ¿cuál sería el tema?, ¿cuál sería la dinámica?, ¿qué te motivaría a participar en él? (No se vale decir millones de dólares).

No sé si nos animemos a hacerlo, pero me gustaría su punto de vista.

¡Saludos!

Creo que la palabra experto cuando calificamos niveles de conocimiento es de lo más trillado, comprometedor y a la vez incierto para comunicar la confianza en nuestro trabajo. Es tan común ver en sitios de empresas leyendas como: “somos expertos en… y líderes en… y nos la sabemos de todos todas en…” que uno ya no puede creer eso. Normalmente si hemos de salir de la carrera de diseño, se ha de suponer que somos expertos en diseño y si nos juntamos con otro diseñador pues ya teneos un despacho de expertos en diseño ¿o no?, pero no es tan sencillo. Yo me pregunto ¿qué tan relevante y necesario es decir que somos expertos en diseño cuando la palabra “diseño” y “experto” abarcan tantas cosas y dice tan poco de nuestra forma de trabajar?

No abordaré la palabra “diseño” porque creo que eso ya lo han hecho otros colegas más a fondo y con anterioridad, así que me enfocaré a esto de los “súper expertos” del gremio.

Experto vs creativo

Primeramente, creo que el alcance de la palabra “experto”, en nuestro caso al experto en diseño, se reduce a: alguien creativo , y cuando digo “creativo” no me refiero a una persona que se le ocurren ideas “frescas” e “innovadoras”, finalmente algo fresco e innovador es lo mismo que decir “cool” y eso equivale a comunicar: “mírenme no sé qué decir de mi trabajo, pero créame mis diseños son muy cool”.

Yo digo que vale más la pena un creativo como aquella persona capaz de adaptarse a equipos y dinámicas de trabajo, a aportar soluciones con lo poco o mucho que sepa sobre las situaciones que se le presentan.

Este perfil creativo que saca adelante proyectos es muy difícil de conseguir, y va más allá de buscar expertos en cierta área. Los expertos se pueden conseguir de alguna manera bastante fácil, ya sea en diseño, en medicina, en cualquier área de nuestro interés, pero ser un experto y además tener la capacidad de trabajar en equipo es algo que las empresas buscan y difícilmente encuentran.

Los diseñadores tenemos cierta fama de trabajar de manera aislada como “freelance” (trabajador o empresario independiente). En muchos de esos casos es debido a que preferimos controlar al 100% las variables de nuestro trabajo en vez de contar con el apoyo de personas que aligeren la carga y el estrés. Es razonable querer tener el control, pero muchas veces sucede debido a que: o buscamos demasiada perfección en el equipo de trabajo o somos demasiado desorganizados para siquiera buscar un equipo de trabajo. Si lo vemos de esa forma ni siquiera estamos siendo creativos para diseñarnos soluciones a nosotros mismos. Así que tal vez un creativo en esa situación lo primero que haría es buscar ayuda. Algo siempre tan difícil de hacer.

Eso de ser extremadamente expertos sobre un solo tema y ofrecerlo como valor agregado a los clientes pasará de moda muy pronto. La confianza hacia nuestro trabajo será a partir de qué tan creativos somos para resolver problemas y en que nos rodemos de gente igualmente creativa para diseñar dichas soluciones.

Por eso la reflexión de este post es: ¿eres un diseñador aislado del mundo y supuestamente experto en diseño a la Chuck Norris o eres un creativo que puede trabajar en equipo y aprender de los demás aunque evidentemente no sepas muchas cosas?

¡Saludos!

Nota: Si no sabes quién es Chuck Norris, puedes intentar buscarlo en Google desde aquí.

En cada uno de los productos de Google que usamos diariamente hay ciertos elementos, ciertas características que aunque muchas veces no son tangibles, nos hacen sentir que estamos usando un producto de Google. ¿Qué es lo que les da ese feeling?

Diseño de interfaz, diseño visual, investigación de usuario, programación web y escritura de la interfaz de usuario… éstos son solamente algunos de los elementos que conforman toda esta experiencia. El equipo de Experiencia de Usuario de Google se puso de acuerdo (en el 2007) sobre qué elementos deberían tener los productos de Google para ser Googley, en otras palabras, para poder transmitir todo lo que la compañía representa, y darles ese feeling especial a los usuarios para que de inmediato sientan que están usando un producto de ellos. A continuación los puntos que estipularon:

• Enfocarse a la gente – sus vidas, su trabajo, sus sueños.
• Cada milisegundo cuenta.
• La simplicidad es poderosa.
• Llama a los principiantes y atrae a los expertos.
• Atrévete a innovar.
• Diseña para el mundo.
• Planifica para los negocios de hoy y mañana.
• Complace al ojo sin distraer a la mente
• Sé digno de la confianza de la gente.
• Añade un toque humano.

Estos puntos llamaron mi atención y son el eje principal de este post, ya que la mayoría de ellos pueden aplicarse a cualquier diseño y seguro que acaban por mejorarlo de una u otra forma. Son como pequeños mandamientos que todo diseñador debe tener presente al momento de realizar su profesión.

Sin pensar en nuestros usuarios, sin pensar en lo simple, sin pensar en nuestro mundo, sin pensar en innovar, sin pensar en el futuro, sin pensar en lo estético, sin pensar en lo humano… ¿qué clase de diseñadores seríamos?

Por “pequeñas” cosas como estas es que Google es el gigante que es hoy. No digo que todo en ellos sea perfección, pero no cabe duda que están haciendo lo necesario para acercarse más a ella.

¿Qué otro punto agregarían a la lista?

Nota: Estos puntos se derivan naturalmente de las 10 cosas que Google ha encontrado ser ciertas, aunque esas se enfocan en aspectos más generales, mientras que las que he enlistado van directamente al área del diseño.

En esta ocasión les presento una entrevista muy interesante que realicé a una de las filósofas más peculiares que he conocido: Laurence Le Bouhellec Guyomar. Ella me da una clase llamada Arte y sus Discursos en la que expresa una opinión algo diferente a lo que estamos acostumbrados a escuchar. En esta entrevista veremos su punto de vista respecto a temas como la discusión del “diseñador como artista”, la relación arte-diseño, la firma del diseñador, la formación del diseñador en el arte, entre muchas cosas más.

Laurence es originaria de Francia, filósofa de formación (licenciatura y maestría), empezó el doctorado pero cambió su rumbo hacia las artes plásticas lo cual la condujo a México debido a su interés en el muralismo mexicano. Aquí estudió arqueología y vivió un tiempo en el DF, en donde se mantuvo muy ligada a la gente del INAH por cuestiones de investigación. Posteriormente empezó a trabajar en la UDLA como profesora de francés y coordinadora de esta área en el departamento de lenguas ya que tiene otra licenciatura en letras modernas. Finalmente, fue invitada a retomar la licenciatura en historia del arte para revivir el programa de estudios y lleva casi diez años coordinándola. Actualmente también es coordinadora de la cátedra Michel Maffesoli.

• Les dejo el audio de esta entrevista por si no quieren leer

Transcripción de la entrevista con Laurence Le Bouhellec

¿Qué vínculo crees que existe entre el arte y el diseño?

Si lo vemos desde ahora, a veces para algunos es un poco difícil, salvo vagamente al nivel de arte. Si lo vemos desde atrás, finalmente, arte y diseño se confundieron durante… pues yo diría durante siempre hasta que por el siglo XVIII- XVI se empiezan a hacer divisiones de los diferentes tipos de objetos que podemos diferenciar como arte y a partir de ahí empiezan a diferenciar terminales de formación, algunos que se van por un camino se llaman artistas y algunos que se van por otro se les llaman diseñadores, pero yo creo que la mayor parte de la gente olvida que eso es algo relativamente reciente en la historia de la fabricación de los productos. Habría que agregar que hace un poco más de medio siglo el ámbito de lo sensible o de lo visual ha estado creciendo más en las sociedades contemporáneas ligada a la economía capitalista que requiere de publicidad y bal bla bla… entonces aparentemente las dos profesiones son diferentes pero tienen la misma fundamentación, la misma raíz, y muchas veces los recursos que se están utilizando son bastante similares nada más que los usos que se van a hacer de los recursos sí van a ser radicalmente diferentes porque van a estar enfocados a objetivos sumamente diferentes.

¿Crees que sea importante que el diseñador o estudiante de diseño tenga conocimiento de lo que sucede en la discusión del arte?

Lo que yo pienso, y aquí lo he probado con Gigo, el jefe del departamento de artes plásticas. Gigo y yo trabajamos juntos desde poco más de una década y hemos acordado quizá porque yo no soy historiadora del arte, yo estudié artes plásticas y arqueología, yo lo que nunca estudié es historia del arte pero lo que yo vi aquí es que lo que a mí me dejaron como programa de historia del arte es algo muy rancio, muy arcaico, algo totalmente fuera de contexto, por dos razones: una, porque carecía totalmente de reflexión teórica y yo pienso que ninguna carrera, ninguna práctica, ninguna especialidad es realmente pertinente para el estudiante si no le damos el porqué de su especialidad, no nada más el cómo sino el porqué. Bueno eso es una cosa, el marco teórico. Por el otro lado, tomando la situación actual de un historiador de arte, en el XXI es básicamente alguien que va a trabajar, si le va bien, como administrador de museo pero tendrá que hacer probablemente una maestría en administración cultural, estudio de museos, o algo por el estilo y de todas maneras es alguien que tiene mas del 80% de trabajar en ámbitos multi-interdisciplinarios, osea va a estar con otra gente y requerirá saber también del porqué de la producción de las obras.

Entonces, retomando estos dos puntos, y trabajando con Gigo acordamos hacer interactuar las dos carreras, que fue un rato el proyecto que también hubo con diseño, es decir, que diseño podía también interactuar con nosotros porque nosotros les podíamos dar también cierto marco teórico que es los que estamos dando a artes plásticas y al mismo tiempo los de historia del arte iban a hacer un semestre o dos semestres en talleres, por lo menos para tener una idea del proceso de creación y elaboración de esa cosa que llamamos arte. Yo pienso que no sólo debido a las particularidades de la situación artística en el sentido más amplio del término actual sino también pienso que no puede uno explicarle a un estudiante (bueno, es una tesis muy personal que yo comparto con mucha gente pero muy personal) que no le puedo yo explicar a un estudiante qué cosa es arte, si no le explico que nos inventamos el término, que antes no había fragmentación de discursos, que el arte no es belleza (lo que nos permite evitar muchísimas malas discusiones), en fin… que es otra cosa y que también yo creo que por cada disciplina o área de estudio tiene uno que aprender a diferenciar lo que es el discurso oficial que para nosotros sigue siendo por mucho arte, belleza o arte estética, (osea visión y media) de lo que es la realidad de las cosas, ¿por qué? porque otra cosa que vicia mucho de las prácticas, osea estas prácticas ligadas al arte (en el sentido amplio del término) es que la fundamentación inicial es totalmente occidental, entonces nos estamos moviendo dentro de un marco inicialmente occidental.

Ahora, a lo mejor en su momento, siglo XVIII-XIX, quizás parte del XX funcionó, pero aquí en México a mí me parece bastante rancio y arcaico seguir imponiendo a los estudiantes la lectura por estilos o por etapas que ni siquiera aplica aquí en América, entonces, yo creo que si no trabajamos estos esquemas, osea el esquema occidental es uno entre muchos más pero si no damos a los estudiantes, digamos a mi punto de vista, estas herramientas o creamos confusión en el porqué de la carrera igual podemos bloquear también yo diría como vocaciones de uno que está por ahí y no sabe muy bien qué cosa puede hacer, bueno, se le puede abrir mucho el campo, que finalmente en lugar de trabajar sobre algo muy estrecho trabajamos sobre algo muy amplio, es como el artista que puede navegar de la pintura al videoarte o al performance, a otra cosa, no lo podemos limitar a los géneros tradicionales de las bellas artes. Es exactamente lo mismo para mi.

¿Qué piensas sobre el significado implícito que se le ha dado al diseñador popular como constructor de la estética entendida como belleza?

Digamos que eso también tiene que ver con cierta rebelión de ciertos diseñadores, final del XIX principios del XX que retoman la idea de que para estas fechas lo que se entiende por arte como un subproducto del campo general de lo que es el arte, estoy pensando mucho en lo que es artes y oficios de la Bauhaus, osea todos estos proyectos que hubo y que intentaron volver a dar a entender primero que si efectivamente el arte es belleza, la belleza puede estar fuera del arte en otros productos ¿no?, y dos, que la escisión entre arte-belleza y lo demás es totalmente artificial y que podemos producir objetos que pueden no pertenecer a los géneros de las bellas artes (no ser pintura, no ser grabado, etc) y sin embargo que pueden ser géneros que nos pueden igualmente llenar de estética, en el sentido ya más cuadrado de la palabra.

Esta discusión se da solamente porque efectivamente hay este problema entre construcción del discurso entre el XIX y el XX restricción total del uso oficial del término arte a la estética entendida como belleza cuando estética, en el sentido original, es solamente lo que me relaciona de forma sensible con el mundo. Y finalmente cuando se trabaja (vuelvo a pensar otra vez Bauhaus, etcétera, todos estos proyectos) de ahí retoma la idea de que probablemente dominantemente por el campo de lo visible nos podemos relacionar sensiblemente con el mundo y esta relación sensible con el mundo nos puede, como decía Kant en su momento en el XVIII, llenar de placer por lo tanto el diseñador puede ser efectivamente alguien que ayude a que los objetos que nos rodean sean más agradables, pero obviamente que el diseñador hace muchas cosas más, el diseñador es igual un creador de objetos utilitarios, no solamente de objetos en general, no solamente el que retoca digamos una fachada estética sino el que puede crear.

Entonces, ¿qué opinión tendrías en esta discusión que hay de “el diseñador como artista”?

Es que si retomamos la discusión desde la etimología, los dos se confundían. Yo ayer por un trabajo que yo estaba haciendo estuve revisando los diccionarios franceses del siglo XVII-XVIII, en principios del XVIII arte cubre la producción de cualquier tipo de objeto, todavía no existe la idea de “bellas” artes, yo creo que es algo que tenemos que recordar, que son un poquitín más de dos siglos que primero fragmentan lo utilitario aparentemente de lo no utilitario y que limitan la idea de lo no utilitario a la estética, pero si regresamos a la raíz el diseñador es igualmente artista, en el sentido alguien que utiliza un saber hacer, que puede diseñar o crear objetos que nos pueden favorecer esta relación sensible de forma agradable con el mundo.

En el fondo yo no pienso que haya un diseñador que voluntariamente piensa hacer algo desagradable, digamos ni en el uso ni en la relación visual que podamos tener con el objeto, el problema es a veces el costo del objeto, que limita materiales, formas, etc. y que hace que a veces el objeto más agradable a veces sea el más costoso, yo diría desagradable.

¿Qué opinas sobre el diseño y la muerte del autor? ¿un diseñador debe firmar sus diseños?

Bueno, es que el problema de la firma otra vez nos remite a un ámbito radicalmente occidental. Yo cuando voy a talleres en Oaxaca o en otras partes donde estoy viendo los artesanos firmar, finalmente han llegado a firmar estos objetos porque casi es una necesidad para colocarse en el mercado y es lo que permite al objeto tener un precio más alto, pero eso es una lógica de la mercantilización capitalista de los productos artísticos, ¿por qué? porque la construcción del discurso oficial del arte ha valorado por muchas razones la firma, mientras que tenemos, si viajamos por África, si viajamos por América, si viajamos por Asia u Oceanía, durante siglos si no es que milenios el arte se produjo de forma anónima, igualmente el arte europeo. Es solamente a partir de una fecha específica que el arte se empieza a firmar, lo que pasa es que una vez que el arte se firma, la firma se vuelve parte del precio de la obra, no es la obra como tal sino a veces hasta la firma que le da precio a la obra y no la obra en sí, osea casi hemos invertido el proceso. Por lo tanto, yo no veo nada raro que el diseñador igualmente firme, porque es una manera de entrar de forma competitiva al mercado y poder discriminar objetos. Eso sería una respuesta casi normal y lógica a la mercantilización capitalista de los objetos que a menudo favorece el nombre.

Voy a tomar un ejemplo muy tonto quizá: las artistas de cine o cantantes que dicen tener un perfume. Sabemos muy bien que ellas no lo elaboran, no tienen de ninguna manera las capacidades para hacerlo, van a prestar su nombre. Si realmente pone su nombre la persona que diseñó el perfume no lo va a vender. Estamos en esta relación absurda actualmente, que es la misma que vemos para ropa o para muchas cosas más, es decir, es el nombre el que atrae, una marca y no realmente un producto.

¿Qué opinas del arte digital? ¿cómo ven esta nueva corriente los intelectuales y practicantes del arte?

Otra vez es lo mismo, para los que consideran que solamente es arte lo apegado a géneros tradicionales, a los que encajan en las bellas artes, muchos historiadores han estado peleados con la inserción de nuevos géneros o nuevos tipos de objetos al discurso. Si uno abre uno de estos libros que se llaman “historia del arte universal”, lo que vamos a ver dominantemente es pintura y escultura, si es que es un libro que empieza por Egipto y por ahí, habrá arquitectura, pero el 95% si no es que más del libro se limitará a pintura y escultura, que son todavía para mucha gente los géneros tradicionales del arte. Yo veo que aquí se dice “bellas artes y literatura”, se le cambió el nombre porque aún cuando en arte incluye música, literatura, etc., el uso tradicional se restringe a los subgéneros o las categorías de bellas artes.

Entonces, arte digital es solamente un saber hacer que recurre a un nuevo campo tecnológico. Es como si el músico se hubiera tenido que conformar con los instrumentos tradicionales y no podría tocar o se vería mal tocar instrumentos que se están fabricando actualmente. Yo pienso que eso es absurdo pero eso tiene siempre que ver con que o tenemos categorías flexibles para pensar o nos aferramos a algo que nos va a remitir a un pasado y vemos este pasado a través de los ojos de la tradición pero olvidamos que la tradición en su momento era quizá vanguardia y probablemente más, revolución. Solamente la sedentarización y la codificación de eso que lo hace tradición, pero no vivimos de tradición. Es como cuando de repente, según lo que me han platicado algunos, se impide que puedan concursar obras en los concursos de artesanías, obras que recurren a pigmentos no naturales, pero debido a los costos y a las dificultades de producción yo pienso que es un desafío más obligar a la persona a limitarse a pigmentos naturales, a tradicionales.

Es que ahí está la discusión y arte digital es un ejemplo entre las múltiples otras formas que han surgido ligadas a los campos tecnológicos para poder desarrollar un saber hacer. Es como si estuviéramos obligando a todos los escultores a pulir solamente con agua y arena, bueno, hay quienes lo van a querer hacer aún cuando existen otras técnicas y hay otros que piensan que pueden recurrir a las nuevas técnicas, osea ¿por qué tenemos forzosamente tener que valorar lo antiguo o lo pasado?¿por qué no le podemos dar a lo actual o a lo contemporáneo la misma validación de artístico o de arte que le podemos dar a productos antiguos? no entiendo.

¿Alguna bibliografía que recomiendes a los lectores diseñadores y no diseñadores que quieran saber más respecto a estos temas?

Es que yo pienso, como siempre le digo a los estudiantes, en lugar de comprar libros bonitos, estos libros costosos y de muchas ilustraciones, es siempre mejor, yo pienso, si uno quiere tener una retroalimentación sobre su propio quehacer, recurrir a libros teóricos y ahí la bibliografía puede ser muy extensa porque depende de las entradas teóricas que uno quiere hacer.

Yo pienso que se requiere por lo menos tener idea de la fragmentación de las especialidades, de los oficios, de los quehaceres, de las disciplinas… podemos llamarlo como queramos, es algo sumamente reciente y no son los libros de historia del arte tradicional que nos explican porque ellos ya retoman los géneros y los clasifican. Por eso digo que si uno quiere saber tiene que recurrir a textos que nosotros llamamos teóricos. Un texto que leen conmigo en clase que me sigue pareciendo básico para todo es el de Larry Shiner, “La invención del arte”, que me parece que para alguien que se interesa en general en la problemática del quehacer artístico, que sea danza, teatro, bordado, cerámica, artes tradicionales o que se yo, explica muy bien cómo estamos pasando de una etapa a la otra y cómo nos inventamos progresivamente subcategorías.

Yo pienso que mucho de la discusión, por ejemplo, que si hay arte en el diseño, que si el diseñador es artista, bla, bla, bla… tienen que ver solamente con el hecho de que nos olvidamos que eso son clasificaciones recientes, y muy recientes. Es por una imposición igualmente reciente que hemos aprendido discriminar lo utilitario de lo no utilitario, porque en parte es algo que rastrea el diseñador porque se le acusa mucho de estar insertado en los mercados de la publicidad y de cosas así, por lo tanto de promover la compra, y por lo tanto el cartel por medio del que promueve no puede ser arte ¿por qué no? En su momento nadie se lo peleó a Lautrec, ¿por qué? porque Lautrec estaba todavía en un momento en el cual eso no existía, o no se aplicaba con la rigidez actual. Y vemos de por si muchos artistas actuales recurrir igualmente a la pintura, al grabado, a la cerámica, etc., es decir, claro que puede haber gente que sigue aferrada a un solo género pero lo que estamos viendo es que cada vez más la gente está revolviendo los elementos… ¿por necesidad? ¿porque nos pesan las disciplinas? Cuando hablamos de interdisciplinariedad que mucha gente lo ve como algo novedoso a mí me da un poco de risa, es solamente regresar a un antes de estas clasificaciones.

Finalmente, lo que estamos viendo es que quizá estas clasificaciones nos funcionaron para algunas cosas, no voy a decir que no, pero gran parte del trabajo no lo podemos hacer encerrándonos en nuestro campecito. Yo veo a mis estudiantes de historia del arte: las más exitosas de la carrera (digo las porque es una carrera que es casi exclusivamente femenina) son las que lograron sacarle provecho a la rama teórica ¿por qué? porque a nivel de competitividad es lo que les permite diferenciarse aquí en México y fuera de México, porque sino todo mundo va a repetir el mismo lenguaje de los estilos y bla bla bla… eso hasta un diccionario te lo da, no necesitas clases para eso ¿no? Lo que te va a hacer competitivo actualmente, lo que te va a hacer destacar es un plus. Es como si tu dices el inglés. El inglés mas o menos todo mundo lo habla, no es lo que te permite diferenciarte, será un idioma más o dos idiomas más si comparas formaciones iguales, el inglés no es ningún distintivo, es exactamente lo mismo. Pero realmente para dar una bibliografía es un poco difícil algo muy específico, hay que hurgar.

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