Siguiendo las enseñanzas de Don Schwartz, ahora traigo su método bien documentado de cómo aprender a pintar caballos con la técnica del pastel seco. Voy a ir paso por paso para que puedan seguir el tutorial. Debo recomendar leer el primer post que publique que explica cómo dibujar la estructura de la cabeza del caballo, que en este segundo tutorial también vamos a utilizar.

¿Listos? Si ya dominan esos primeros pasos es hora de ponerle color al asunto!

Materiales

Antes de empezar tal vez se pregunten ¿Qué es eso del pastel seco? Básicamente es un gis muy fino que con la ayuda de los dedos uno va manipulando y difuminando el polvo para fijarlo al papel y llegar a resultados realmente asombrosos. También existe el pastel graso que es más parecido a la crayola.

Me encanta el pastel seco porque se tiene contacto directo con la pintura y el papel, uno puede sentir al 100% lo que está haciendo.

Yo recomiendo pasteles REMBRANDT, son muy buenos y en México creo que es de lo mejor que se puede conseguir más o menos fácil. Los venden en paquetes o incluso individualmente en las tiendas de arte (ya que son algo caros, de $2 a $3 USD c/u).

Estos son los pasteles Rembrandt

También los Square Pasteles de la marca Studio Basics, que son mucho más baratos, dan muy buenos resultados para el pintor que se inicia en esto del pastel.

Estos son los pasteles Studio Basics

¿Qué papel usar? Papel Ingres o cartulina Caslon de colores claros. Una vez usé color negro para pintar un caballo blanco y fue algo complicado, no lo hagan.

Antes de empezar fijen su papel en una tabla o superficie plana. Yo recomendaría que pegaran su papel en una mesa. En las fotos que están a punto de ver notarán que estoy pintando sobre un caballete, la verdad lo hice sólo porque no tengo mucho espacio, pero si ustedes disponen de una mesa en donde nadie meta mano y sea un lugar seguro para su cuadro, es lo que más recomendaría. El pastel es puro polvo, entonces es mejor que esté puesto de manera enteramente horizontal.

1. Estructura básica de la cabeza

En el pastel no es tan importante que el dibujo inicial quede 100% perfecto, con forme se avance lo podemos ir corrigiendo y refinando. A mí me gusta hacer la estructura con un pastel blanco de manera muy sutil por si es necesario difuminar alguna línea no deseada.

Importante: en el pastel es muy raro usar goma. El pastel se quita en estos inicios únicamente difuminando con los dedos o un trapo.

Mucha gente prefiere usar esfuminos a los dedos, a mí la verdad no me gustan ¿cómo no van a querer sentir el papel? Pero también se vale usarlos para algunos detalles.

Al igual que mi post anterior aquí vamos dibujar la estructura básica de la cabeza del caballo, debe quedarles algo parecido a esto. Vean como es un desfile de líneas, pero a estas alturas importa poco.

Umm en la foto sale un lápiz, no recuerdo haberlo usado, ignoren eso.

2. Iniciar del fondo hacia delante

Regla básica: en el pastel, se inicia siempre pintando el fondo, sino corremos el riesgo de manchar el dibujo del primer plano.

Segunda regla básica: es muy recomendable empezar con los colores oscuros y al final los claros. En el caso de este caballo, el fondo es claro, así que no tuve otra opción más que ponerlo así.

Mi caballo al final será negro, pero si me aventurara a estas alturas a poner negro, seguramente no podría incluir otros colores como tonos de cafés, azules o verdes, lo cual haría que el la pintura se percibiera muy plana. Por esa razón el negro me lo reservaré para casi al final, al igual que los blancos puros.

3. Difuminar los colores

Ahora que ya manchamos todas las áreas del papel viene lo más divertido, cuando el pastel empieza a agarrar forma: el difuminado y combinación del gis. Con el dedo se realiza esta acción y los primeros resultados son estos:

4. Momento crítico: Integrar más manchas de color

Ya que tenemos nuestra primera base con una idea más concreta del caballo, ahora inicia un momento crítico en donde mucha gente se asusta porque cree que la pintura se ha echado a perder: este momento llega es cuando integramos colores más oscuros sobre los que ya habíamos difuminado e integrado anteriormente. Quedaría algo así:

5. Difuminemos nuevamente

Pero no se preocupen, al momento de difuminar el pastel, les va a quedar algo menos estresante:

6. Más capas de color para dar volumen

Ahora viene lo más interesante, vamos a integrar más manchas de color entre azules, verdes, cafés, etc. El camino fácil y menos satisfactorio es usar el negro directo, pero no lo recomiendo. De hecho mi maestra de pintura me lo prohibía a estas alturas de la pintura :p

Vean como ahora el caballo empieza a verse más negro, en este punto el único 100% negro es el que usé en el ojo, pero todo lo demás son cafés oscuros, azules e incluso tonos muy oscuros de verdes y algún que otro violeta.

El ojo del caballo, es uno de los elementos más fundamentales, le da expresión, así que no se desesperen si se detienen mucho tiempo en él, yo en llegar a este punto tarde varios días.

7. Descanso

En el pastel, como en la mayoría de las técnicas tradicionales de la pintura, es bueno dejarlo descansar un rato de nuestra vista. Ya que llegamos a un punto y vemos que ya nos acostumbramos a verlo y no encontramos cómo seguir avanzando, lo que se debe hacer es parar y despejarse un poco de éste por unas horas o incluso hasta el otro día. Yo en este punto creo que lo dejé como 1 semana sin tocar, también he tenido unas semanas algo pesadas por eso.

Aquí vamos hasta el momento:

8. Los detalles al final

Ahora lo único que falta son los detalles de las cuerdas, esta clase de detalles se dejan hasta el final porque muchas veces implica colocar ligeras líneas o puntos en blanco o negro que ya no van a difuminarse, a este nivel estos colores sí se valen. Acá el antes y el después de detallar las cuerdas y hebillas:

9. Resultado final

El fondo lo volví a retocar porque no me gustó que quedara tan plano en colores crema, fue un poco complicado porque el polvito del pastel crema se sobreponía en el negro del caballo. Por tal razón siempre trabajen bastante su fondo antes de irse al primer plano.

Y así es como quedó en su etapa final:

10. Mantenimiento ¿qué hacer al terminar el cuadro?

El pastel es una técnica muy frágil y si quieren que su pintura se conserve, la mejor opción es enmarcarla con cristal. No usen el famoso spray fijador para que el gis no se caiga, los realmente efectivos son muy caros y casi en ningún lugar los venden. Los que van a encontrar en las tiendas de arte son bastante corrientes y sólo van a oscurecer los colores o en el peor de los casos les dejará restos de gotas en el papel que para nada se verán bien. Yo así eché a perder varias cosas jaja.

Bueno espero les haya gustado, pintar estas cosas no es nada fácil, pero el pastel puede que sea una excelente puerta para adentrarse al mundo de la pintura. El poder sentir los colores y la textura del papel le dará una sensación de volumen que verán reflejada en sus caballos o lo que sea que quieran pintar.

¡Saludos!

NOTA: Si alguien sabe de un buen lugar donde sepan enmarcar estas cosas en México D.F. se lo agradeceré. Yo todo lo que he pintado lo he enmarcado en Xalapa, Ver. pero ahora sí que sería algo complicado llevarme la obra hasta allá sin que se maltrate. Supongo que debe haber alguno en DF que sea de confianza. Gracias!

Cuando estaba en secundaria, me dio por pintar mucho, tal vez fue la edad en la que más he pintado y dibujado. Y entre una de las cosas que más disfruté fue a pintar caballos, me habría gustado captarlos en vivo pero en su momento sólo tenía algunos libros para aprender. Años después me volví a acercar a esto del mundo equino y se me ocurrió retomar el tema. Ya había aprendido un método desde aquellos años, pero quise explorar nuevos, sin embargo de todos los que encontré ninguno me pareció mejor que el de Don Schwartz el mismo pintor de caballos con el que aprendía a los 14 años. Por nostalgia retomé este arte y me gustaría compartirles la forma en la que este señor encontró un método para pintar caballos.

Para no sólo piratearme su método y ponerlo aquí, he realizado el ejercicio y lo he documentado esperando que a más de uno le sirva. En internet no hay mucho que digamos que ilustre el proceso, así que acá va mi aportación. Obviamente si compran el libro de Schwartz (Horses Heads) encontrarán más tips.

1. Estructura básica

Esta es la estructura inicial básica, empezamos por la frente del caballo con líneas rectas y suaves.

Remarqué con un plumón los trazos para hacerlos más evidentes. Pero ustedes pueden usar un lápiz de grafito HB o el que más les acomode, la cosa es que el trazo sea muy suave ya que sobre esto empezaremos a detallar más.

2. Estructura básica depurada

Aquí ya depuramos algunas líneas, y así debería quedarnos antes de empezar a meter sombras. Sólo recuerden que yo he marcado con plumón las líneas principales pero es sólo por cuestiones didácticas, no se debería hacer.

Algo más parecido al siguiente dibujo es a lo que deberíamos llegar, tiene un poco más de detalle, pero hacia eso va este asunto.

3. Sombras y luces

Para este punto, les recomiendo usar lápices más suaves como el 4B o 6B para mejores resultados y menos desgaste del papel a la hora de marcar más sombras y hacer notar mejor las luces.

4. Casi terminado

Más avance. Ya que lo termine actualizaré la entrada.

Pues básicamente así se dibuja la cabeza de un caballo. Los trazos son muy simples, la cosa es seguir practicando y nunca desanimarse si los resultados no son los esperados.

¡Saludos!

Generalmente cuando se entra a estudiar diseño, de cajón existen cursos para “aprender a dibujar” con el fin de tener una idea más o menos decente de la composición, perspectiva e igualmente proporciones humanas. En mi caso llevé 3 cursos de Representación Gráfica; lo cual se me hace demasiado, creo que con 2 ya quedas. En diseño no debes ser casi un maestro en el dibujo (aunque algunos digan que sí).

Tal vez muchos recuerden un monito de madera muy utilizado para aprender las proporciones humanas, mis amigos y yo lo llamamos “el maderín”. Éste es ampliamente usado para traumar a los diseñadores, desde el inicio de su carrera, para comprender a la figura humana. Un método bastante famoso que supongo que a algunos si les debe dar buenos resultados, pero en mi opinión “el maderín” (cuando apenas inicias en esto) llega ser más un obstáculo que una ayuda, puesto que el salto de pasar de un muñequito de madera a una persona de carne y hueso es demasiado intimidador.

En mi caso, ya hace algunos años, entre a un curso intensivo de 15 días de figura humana, con el motivo de pasar un examen de dibujo de la Universidad Veracruzana (Sí pasé el de dibujo pero uno de creatividad no). Él éxito de este curso, a parte del montón de horas, fue que desde el principio dibujamos personas reales (sin desnudarse). Como no teníamos un modelo profesional, a veces éramos los mismos compañeros o el profesor los que posábamos, incluso una vez nos fuimos al mercado a dibujar quien se pusiera enfrente (opción muy económica y efectiva).

Así que, sin ser un maestro en el dibujo les paso algunos consejos que a mí me ayudaron mucho para comprender la figura humana y el dibujo en general:

No hay que pensar

Para dibujar ya sea objetos o figura humana, no hay que pensar. Cuando te pones a reflexionar sobre las proporciones, medidas, tus traumas de no saber dibujar… desde ahí se empieza mal. Así que sólo hay que agarrar el lápiz una hoja de papel y ponte a rayar (dibujar) lo que te pongan.

Hay que aprender a observar

Es bien importante, cuando inicias a dibujar, ver más la figura (motivo de dibujo) que tu papel o lienzo. Es muy común que la gente se pase todo el tiempo viendo su papel olvidándose del motivo; y por esa razón dibuja cosas que realmente no está viendo.

Prohibido recargarse sobre el papel

Un profesor (medio maniaco) me dijo que pueden identificar si una persona dibuja bien o no desde la forma en que toma el lápiz. Aquel que recarga toda la mano… primeramente va manchar él mismo su dibujo, y segundo su capacidad de trazo se verá muy limitada al ser su muñeca su punto de apoyo. Si te despegas del papel, tu punto de apoyo pasa a ser tu hombro y tendras todo el brazo libre para maniobrar, sobre todo cuando tu papel es amplio.

Dibuja rápido

Cuando empiezas con esto de la figura humana es realmente traumático hacer dibujos de más de 15min. Más de 15min, es tiempo suficiente para que dejes de observar y te pongas a ver lo feo que te quedó todo. Además es aburrido, cansado y hasta da tiempo de echarle un ojo al dibujo del de junto y desmotivarte si es que a él le está quedando mejor.

Tiempos recomendables:

De 10 a 30seg: Tiempo suficiente para hacer una estructura sólo marcando cabeza y extremidades.
De 1 a 5min: Tiempo razonable para hacer una figura estructurando todas sus partes (cabeza, hombros, codos, manos, columna, cadera, rodillas, pies).
De 6 a 10min: Lo suficiente para hacer un dibujo detallado con sombras, contrastes y marcar algunos elementos del fondo.

Ya que eres más avanzado en estas artes, un dibujo te toma horas o hasta días. Otro profesor maniaco también me comentó que un dibujo nunca está terminado.

Dibujar gente real

Creo que es de lo más importante, aquel que copia muy bien gente de fotografías o paisajes en cromos no garantiza que pueda dibujar una persona real o un paisaje estando al aire libre. Si dibujas lo real, es una garantía que las fotos y cromos te harán reír. Claro que hay cosas o personas que está harto complicado las puedas copiar en la vida real.

No usar goma

Es difícil, pero hay que olvidarse esa idea de que todo lo que dibujas lo haces como si lo fueras a enmarcar y colgar en tu pared; hay que dibujar sin importar que los trazos se encimen. Sólo hay que tomar en cuenta que cuando empiezas tu dibujo, los trazos base deben ser suaves para que los finales los puedas acentuar más y se vean MÁS.

Dibuja mucho

Como siempre, para poder medio dominar algo hay que practicarlo como dementes. Te aseguro que si dibujas todos los días por lo menos 15 min (bien concentrado), podrás entender mejor las proporciones humanas sin necesidad de todos esos libros muy técnicos.

Una vez comprendida la esencia, lo demás es más fácil. Ya si quieres especializarte en esto de la dibujada entonces sí hazte de un libro que contenga todas esas reglas sagradas de la proporción. Posiblemente si te vas de inicio a esto, lo único que lograrás es estresarte más de la cuenta con detalles que de inicio no deben angustiarte. Posteriormente el dibujo será la base para inciarte en el camino de la ilustración.

Finalmente creo que hay que recordar que como diseñadores, aunque el dibujo es importante, no lo es todo. Si no dibujas a la perfección no importa, esto va a ser una herramienta más de la cual podrás valerte para usarlo como técnica de representación. Si tus compañeros se ríen de tus dibujos (o sea de ti), sólo ponte a pensar que conforme avance la carrera tal vez al final tú terminarás riéndote de ellos.

PD. Para los que estudian Artes Plásticas si preocúpense mucho, ya que el que NO sabe dibujar morirá tarde o temprano.

PD2. La foto del maderín quemado la saqué de Deviantart, sólo que ya no recuerdo la liga.

¡Saludos!